REPRESENTANTES DEL RENACIMIENTO

REPRESENTANTES DEL RENACIMIENTO

ARQUITECTURA

BRUNELLESCHI FILIPPO

Capilla Pazzi
Es un edificio de pequeñas dimensiones y con un pórtico cubierto por una bóveda de planta circular que mediante el uso de pechinas crea una bóveda de paraguas que se construyó como recinto funerario de los Pazzi. La Capilla se puede acceder desde el claustro de la basílica de la Santa Croce se encuentra ubicada en el jardín esta fue encargada por la familia Pazzi en 1441 a Filippo Brunelleschi  esta fue su última obra.  Este tiene una planta rectangular con cúpula central y un pórtico ya que su fachada es un pórtico de cinco tramos , en la parte de arriba sobresale la cúpula con su linterna y en el pórtico en el que combina la disposición adintelada con el arco central supone una innovación que ha de ser modelo o fuente de inspiración para numerosos arquitectos. Este es una capilla donde se coloca el altar ornamentado con pilastras adosadas con acanaladuras y bóvedas de cañón con casetones, tiene cuatro extremos adintelados y en la parte central de forma de arco de triunfo semicircular muy alto y de doble anchura que se cubre por una bóveda de cañón. Sobre este pórtico se alza un ático decorado con pilastras corintias y seccionado por el gran arco del centro la cual se corona en una cornisa muy ornamentada este adintelado griego con un arco central de origen romano serviría para suavizar la luz.

La Basílica de Santa María del Fiore

En italiano esta basílica quiere decir duomo o "Casa de Dios" que la realizaron gracias a los archidiócesis católica romana de Florenciapor lo que se la conoce por su cúpula.  El conjunto formado por la iglesia, el campanario y el Baptisterio de San Juan en el centro de la ciudad constituye una de las joyas artísticas y arquitectónicas de Florencia.

Es uno de los mas grandes de la cristiandad la catedral florentina su nombre que se traduce como “Santa María de la Flor” esto se refiere al lirio que es el símbolo de Florencia, o al antiguo nombre del pueblo llamado Fiorenza y un documento del siglo XV afirma que la “flor” se refiere a Cristo. La grandiosa cúpula de Brunelleschi es una estructura isostática de 100 metros de altura interior, 114,5 metros de altura exterior, 45,5 metros de diámetro exterior y 41 metros de luz con la particularidad de que esta cúpula anula los empujes horizontales para no transmitir al tambor que la sustenta prácticamente más cargas que las verticales correspondientes a su propio peso. A la cúpula hay que añadir el campanario independiente del Giotto de 82 m de altura y el baptisterio de San Juan. Como fue construido en Florencia después de la Basílica de Santa Cruz y Santa María Novella con las famosas puertas de bronce de Ghiberti.

Hospital de los Inocentes

El gran hospital de los inocentes esto fue un orfanato de niños de Florencia diseñado por Filippo Brunelleschi. Se puede decir que este hospital esta considerado como un ejemplar y muy bien estructurada  ejemplo de la arquitectura del primer renacimiento italiano. En el extremo izquierdo del pórtico está la ruota o un torno de piedra para meter al niño en el edificio sin que se viera al padre lo por lo que se asi se realizaba eficiente su trabajo esto permitía a la gente abandonar a sus hijos anónimamente para que fueran cuidados en el orfanato. Este sistema siguió funcionando hasta el cierre del hospital en 1875 hoy en dia el edificio aloja un pequeño museo de arte renacentista. El hospital con una galería frente a la Plaza della Santissima Annunziata en cual fue construido y dirigido por el "Arte della Seta. Se dice que este gripo de gentes era uno de los más ricos de la ciudad .

RAFAEL ALBERTI

El hombre deshabitado (1931)

La escena primera es la creación del hombre, al que hace Alberti salir de una alcantarilla rodeada de materiales de construcción; es el nacimiento como paso del hombre masa al hombre individuo. El Vigilante nocturno invita al hombre deshabitado a requerir su alma, despertándole los cinco sentidos, para que el alma pueda asomarse al mundo. “Auto sacramental sin sacramento". El tema: creación, tentación y caída del hombre e incapacidad de la divinidad y el hombre para entenderse. Desarrolla la parábola de la creación del hombre y de su abandono como ángel caído por parte de un dios maligno. La técnica dramática es la alegórico-simbólica propia de los autos sacramentales. La obra tiene una relación temática con Sobre los ángeles, de la que es contemporánea. El Vigilante nocturno juzga al Hombre y lo condena por su crimen. Antes de desaparecer por la misma boca del alcantarillado por donde surgió para ser feliz, acusa a su creador de haberlo creado para hacerle perecer. El hombre es víctima de un dios criminal que se complace en dar la vida a su criatura para perderla luego. La obra está llena de belleza y simbolismo de raíz lírica. El final es el revés del auto sacramental clásico. La obra hay que entenderla dentro del contexto político de Alberti, del Alberti de la crisis espiritual por la que pasó cuando escribió Sobre los ángeles (1929). A partir de esta obra, Alberti acentuará su compromiso político.

Fermín Galán (1931)

La obra está directamente relacionada con el triunfo e implantación en España de la Segunda República (1931-1936). El drama está estructurado al modo de los cantares de ciego tradicionales, es un romance de ciego en diez episodios. Cada episodio presenta un momento de la vida del héroe Fermín galán, que el año anterior se había sublevado en Jaca con el Capitán García, siendo los dos condenados a muerte.

Esta obra es un intento de Alberti de hacer teatro popular. Es un mosaico de escenas sin gran unidad dramática. No es una obra muy conseguida por estar mal estructurada. El recurso al romance de ciego resultó ineficaz, fue un error haber elegido el romance de ciego como técnica dramática para este tema. Además era difícil dramatizar por aquel entonces un episodio aún muy cercano a la vivencia del público, que no aceptó al dramaturgo como intermediario de algo que todos habían vivido personalmente. Los mejores episodios de la obra son los satíricos.

DONATO BRAMANTE

Basílica de San Pedro:

En las fachadas podemos observar órdenes gigantes de columnas y balconadas. Encima de la fachada se encuentra la representación de los 11 apóstoles a excepción de judas, y en el centro, Cristo. El desarrollo de esta obra arquitectónica tuvo lugar en el Quattrocento y el Quinquecento. Bramante logro destacar en esta obra la ilusión de perspectiva que se convierte en una realidad. El diseño de la basílica tiene la forma de la tradicional planta basilical de lacruz latina con cuerpo longitudinal de tres naves. En las fachadas laterales se incluyeron dos relojes y en uno de los cuerpos laterales se coloco la campana.

Los muros exteriores de la basílica se componen por superficies planas separadas por pilastras, se presentan esculturas de santos de gran tamaño y sobre estas se encuentran las grandes ventanas que iluminan el interior del templo

Santa María delle Grazie

Pana la construcción de esta iglesia, Bramante un trompe l’oeil que procurara la ilusión óptica de perspectiva, empleo un ritmo geométrico pero en clave gigante, consiguiendo un espacio unitario y regular.  Bramante contribuyo en esta iglesia con el tiburio (cúpula de base poligonal con techo en forma de pirámide, siendo parte el estilo gótico pero con influencias románicas y tiene una altura ligeramente excesiva la cual a sido parte de muchas criticas. También existe un fresco, realizado por Bramante, que conduce a la sacristía.

San Pietro in Montorio

La edificación es de planta circular, dispone de una columnata cubierta por una cúpula semiesférica. Por su forma circular se puede decir que demuestra una clara referencia a la cultura griega. Esta obra fue prácticamente construida para ser admirada y no para utilizarlo, ya que su construcción es pequeña pero, sin embargo refleja monumentalidad por sus materiales y su simbología donde la cúpula de la iglesia triunfante a modo de tres escalones, representa las tres virtudes teologales. El muro de la cella tiene un muro exterior decorado con nichos de remate semicircular que se alternan con vanos adintelados, separados por pilares.

Esta decoración parte de la disposición de tres puertas y el altar, situados en los extremos de dos dejes de la planta circular que se cruzan perpendicularmente. Las columnas son cilíndricas y justo debajo del altar se encuentra la cripta.

ANDREA PALLADIO

Basílica Palladiana

La Basílica Palladiana es un edificio renacentista situada en la Piazza dei Signori en Vicenza, localidad situada al Noreste de Italia. Su elemento arquitectónico más importante es la logica que posee y que constituye uno de los primeros ejemplos de lo se conoce como ventana palladiana dentro de la arquitectura del mismo nombre.
El edificio fue originalmente construido en el siglo XV y era el Palazzo della Ragione de la ciudad, la sede del gobierno ciudadano y de los tribunales. Cuando parte del mismo se vino abajo en el siglo XVI, un consejo de cien personas entre las que se encontraban numerosos arquitectos designó a Andrea Palladio para la reconstrucción del mismo en 1549. Palladio añadió un nuevo armazón exterior de mármol, una logia y un pórtico que ahora oscurecen el original diseño gótico de la basílica.

Villa Godi

La Villa Godi es una villa del siglo XVI relacionada con el arquitecto Andrea Palladio. Se encuentra en la localidad de Lonedo, en el municipio italiano de Lugo di Vicenza. Junto con otras villas palladianas del Véneto, está inscrita, desde el año 1996 en la lista de lugares Patrimonio de la Humanidad de la Unesco.

 

PINTURA

MASSACCIO

Tríptico de san juvenal

La composición está construida de acuerdo con las leyes de la perspectiva: las líneas de fuga del pavimento de los tres paneles convergen en un punto de fuga central, representado por la mano derecha de la Virgen, que sostiene los pies del Niño. El tríptico de San Juvenal era una obra desconocida de Masaccio, no mencionada por su biógrafo, que fue descubierta en 1961. La pintura se compone de tres tablas.

Capilla brancacci

Los dos pintores trabajaron de forma perfectamente coordinada: ambos trabajaron en las dos paredes de la capilla. Los frescos se distribuyen en dos niveles horizontales a lo largo de las dos paredes de la capilla (originalmente había también pinturas en los lunetos y en la bóveda, todas ellas obra de Masolino).

Se sigue el esquema característico de la pintura florentina al fresco, consistente en ordenar las composiciones como si fuesen cuadros colocados en el muro, y, para destacar esta idea, cada escena está enmarcada por pilares clásicos y capiteles corintios pintados.

El tema principal de los frescos es la historia de la vida de san Pedro, patrón de los marineros y comerciantes del mar, y hay también algunas referencias al Génesis.

La trinidad

La pintura puede leerse en sentido vertical ascendente, como la ascensión hacia la salvación eterna, desde el esqueleto (símbolo de la muerte) hasta la Vida eterna (Dios Padre), pasando por la oración (los donantes), la intercesión de los santos (San Juan y la Virgen), y la redención (Cristo crucificado). El uso que hace Masaccio de la perspectiva hace que la composición sea un auténtico trompe l'oeil o trampantojo que hace parecer que el muro está efectivamente perforado.

La pintura representa el dogma de la Trinidad, en en el marco de una capilla inspirada en los arcos de triunfo romanos, con una bóveda de medio cañón dividida en casetones y sostenida por columnas jónicas, flanqueadas a su vez por pilastras que sostienen un entablamento. Por debajo de ellos, y funcionando como base de la composición, hay un altar de mármol bajo el cual se ve un esqueleto yacente al que acompaña la inscripción: «Ya fui antes lo que vosotros sois; y lo que soy ahora lo seréis vosotros mañana»

PAOLO UCELLO

La batalla de San Romano

La rota de san, es un tríptico, obra del pintor italiano Paolo Uccello. Está realizado con temple al huevo sobre tabla. Se considera que el tríptico fue ejecutado entre 1456 y 1460. No obstante, la fecha es incierta y continúa siendo objeto de considerable debate. Los críticos tienden actualmente a entender que fue encargada y ejecutada no mucho después de la muerte de Micheletto da Cotignola en 1435, una hipótesis que parece confirmada por el estilo, cercano al del Monumento a John Hawkwood pintado por Uccello hacia 1436, en la Catedral de Florencia. Se representa, en cada una de las tres tablas, tres momentos distintos de la batalla entablada el 1 de junio de 1432 en San Romano, cerca de Lucca, entre los florentinos, que resultaron al final victoriosos, guiados por Nicolás de Tolentino y los sieneses, liderados por Bernardino da Cotignola.
Recientes investigaciones apuntan que el ciclo de pinturas no fue, como se creyó durante mucho tiempo, un encargo de Cosme de Médicis, sino de Lionardo Bartolini Salimbeni, que tuvo un papel destacado en la apertura de hostilidades con Siena.

San Jorge y el Dragón

Es una obra del pintor italiano Paolo Uccello. Está realizado en temple sobre madera, y fue pintado entre 1456 y 1460. Mide 52 cm de alto y 90 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo Jacquemart-André de París.
Existe una versión anterior que se guarda hoy en la National Gallery de Londres. En esta obra, como en otras suyas, Paolo Uccello crea una atmósfera irreal, que hasta cierto punto puede recordar a obras del surrealismo.

SANDRO BOTICELLI

La primavera

 Hacia 1482 pinta "La Primavera" aparentemente para Lorenzo di Pierfrancesco, donde se simboliza el advenimiento y celebración de la primavera en el jardín del amor de Venus, inspirado en varias fuentes. Asimismo, realiza "Minerva y el Centauro" también llamada "Palas y el Centauro" (hacia 1482) representando la victoria de la castidad sobre la concupiscencia. Al igual que en la "primavera" no existe narración mitológica o clásica que relacione el encuentro entre Minerva y el Centauro, como inspiración, también fue realizada para el palacio de Lorenzo di Pierfrancesco. Botticelli muestra en estos dos cuadros el conocimiento y la visión cristiana del amor.

El nacimiento de Venus

En El nacimiento de Venus, como de costumbre, el elemento esencial de la composición es la línea que no define espacio alguno sino que ayuda a las figuras a emerger hacia la superficie. Aunque en esta obra se acentúa más el valor espiritual que el mundano, como en Primaveralas referencias culturales son las mismas.  Ficino y Policiano describen así El nacimiento de Venus:

“Una doncella de rostro no humano

Empujada por céfiros a la orilla

Sobre una concha se desliza

Como si fuera amado por el cielo”

ANDREA MANTEGNA

Tránsito de la Virgen

Al fondo de la tabla se ve un paisaje con un lago representando los lagos que había en la zona de Mantua, sobre ellos se tiende un puente llamado de San Giorgio donde de esta manera la escena parece transcurrir en el Palacio Ducal de Mantua y no en Jerusalén.  Esta es una tabla de pequeño tamaño que sirve para describe un tema religioso que representa a la muerte de la Virgen María esta era más grande pues le falta la parte superior en la que estaba representada la figura de

En esta aparecen los apóstoles que están formando un grupo majestuoso de severos ropajes todos están alrededor de la cama en la que yace la Virgen María, los símbolos que llevan en las manos les sirven para rendir homenaje a la Virgen. No hay doce apóstoles sino once se dice que según las creencias cristianas después del suicidio de Judas Iscariote los once apóstoles restantes se reunieron y eligieron a Matías para completar nuevamente el número de doce apóstoles enviados a las doce tribus de Israel también es posible que el apóstol que falta sería Tomás que se encontraría evangelizando tierras lejanas al tiempo del tránsito de la Virgen en esta escena está representada conforme a los Evangelios Apócrifos donde las figuras se enmarcan en una arquitectura típicamente renacentista.

El San Sebastián de Viena

En lugar de la figura clásica de Sebastián atado a un poste en el Campo Marzio de Roma el pintor retrató al santo contra un arco que sea un arco de triunfo o bien la puerta de una ciudad.

Este cuadro fue realizado después de que Mantegna se recuperase de la peste en Padua donde probablemente fue encargo del podestá de la ciudad para celebrar el fin de la peste esta fue acabada antes de que el artista dejara la ciudad para ir a Mantua.

El tema de este cuadro se refiere al Libro de la Revelación un jinete está presente en las nubes en la parte superior izquierda como en esta se especifica en la obra de san Juan la nube es blanca y el jinete tiene una guadaña que él estaba usando para cortar la nube. El jinete ha sido interpretado como Saturno el dios grecorroman: en los tiempos antiguos, Saturno fue identificado con el Tiempo que pasaba y dejaba todo destrozado.

La Virgen y el Niño con santa María Magdalena y san Juan Bautista
Cabe la duda de qué significaban las otras dos letras, C.P.; se ha apuntado que puede significar “Comes Palatinum” este es un título de caballero que Andrea Mantenga había recibido en 1469 o que bien puede querer decir Ciudadano de Padua. A la derecha está María Magdalena representada con una larga melena suelta y por lo cual es el símbolo de su vida anterior pecaminosa que sostiene en su mano un frasco de ungüentos.  Este cuadro representa a la Virgen María con el Niño Jesús en el centro de la composición esta sentada en un trono de intenso color rojo a la izquierda está san Juan Bautista esta vestido como un ermitaño sosteniendo su báculo en forma de cruz en torno al cual hay una filacteria enrollada.

LEONARDO DA VINCI

La virgen, el niño jesús y santa ana

La escena se desarrolla en un paisaje atemporal,2 rocoso, como ocurre en La Virgen de las Rocas, que delata el interés del autor por la geología. Los picos montañosos parecen evaporarse en una atmósfera azulada que inunda toda la composición.

La composición presenta a María y Ana (madre de María), con la primera sentada sobre las rodillas de la segunda.2 María se inclina hacia delante para sujetar al Niño Jesús mientras este juega, de manera bastante brusca, con un cordero, símbolo de su propio sacrificio. La escena se desarrolla en un paisaje atemporal,2 rocoso, como ocurre en La Virgen de las Rocas, que delata el interés del autor por la geología. Los picos montañosos parecen evaporarse en una atmósfera azulada que inunda toda la composición. Las pinceladas son ligeras, mediante una técnica de veladuras sucesivas que crean un efecto evanescente. La defectuosa conservación ha aplanado el color en los mantos de la Virgen y de santa Ana.

La gioconda

El cuadro La Gioconda (La Joconde en francés), también conocido como La Mona Lisa, es una obra pictórica de Leonardo Da Vinci.

Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm, pintado entre 1503 y 1519,1 y retocado varias veces por el autor. La fama de esta pintura no se basa únicamente en la técnica empleada o en su belleza, sino también en los misterios que la rodean. Además, el robo que sufrió en 1911, las reproducciones realizadas, las múltiples obras de arte que se han inspirado en el cuadro y las parodias existentes contribuyen a convertir a La Gioconda en el cuadro más famoso del mundo, visitado por millones de personas anualmente.

El hombre de vitruvio

El Hombre de Vitruvio es un famoso dibujo acompañado de notas anatómicas de Leonardo da Vinci realizado alrededor del año 1490 en uno de sus diarios. La posición con los brazos en cruz y los pies juntos se ve inscrita en el cuadrado sobreimpreso. Por otra parte, la posición superior de los brazos y las dos de las piernas se ve inscrita en el círculo sobreimpreso. Esto ilustra el principio de que en el cambio entre las dos posiciones, el centro aparente de la figura parece moverse, pero en realidad el ombligo de la figura, que es el centro de masas verdadero, permanece inmóvil.

El redescubrimiento de las proporciones matemáticas del cuerpo humano en el siglo XV por Leonardo y otros autores, está considerado como uno de los grandes logros del Renacimiento.

El dibujo también es a menudo considerado como un símbolo de la simetría básica del cuerpo humano y, por extensión, del universo en su conjunto.

MIGUEL ANGEL

La batalla de Cascina

Es un fresco diseñado por Miguel Ángel para el Palazzo Vecchio de Florencia. No llegó a pintarlo e hizo sólo el cartón (modelo) previo, que fue destruido y es conocido por la copia pintada al óleo por Bastiano da Sangallo y por dos grabados parciales de Marcantonio Raimondi. La batalla de Anghiari. Al mismo tiempo, Miguel Ángel también abandonó La batalla de Cascina, y se marchó a Bolonia, donde trabajó durante dos años en la estatua del papa Julio II, que había de ponerse en la fachada de San Petronio. La estatua resultaría destruida en 1511 por la población de Bolonia.

Miguel Ángel acababa de triunfar con su estatua de David (actualmente en la Galería de la Academia de Florencia). Instaló su taller en el Hospital dei Tintori de San'Onofrio. Se sabe que el 3 de octubre de 1504, los cartones ya se habían visionado. Trabajó hasta su partida a Roma en 1505 y acabándolos en su retorno a Florencia en 1506. En mayo de 1506 Leonardo da Vinci dejó Florencia para irse a Milán, abandonando, sin acabar.

Bóveda de la Capilla Sixtina

Se conoce como la bóveda de la Capilla Sixtina al conjunto de pinturas al fresco realizadas para decorar la bóveda de la Capilla Sixtina, en la Ciudad del Vaticano (Roma). Fue pintada entre 1508 y 1512 por Miguel Ángel y es una de las obras pictóricas más complejas y más bellas de toda la historia del arte, encargada por el papa Julio II para sustituir la pintura que había en aquel momento a base de un fondo azul con estrellas doradas, que había sido realizada por Piero Matteo d'Amelia, según la tradición de los templos paleocristianos.

En la bóveda de cañón rebajada, el artista diseñó una complicada arquitectura simulada donde incluyó el desarrollo de historias del Génesis, narradas desde el extremo del altar hasta la puerta de entrada de la capilla en más de 500m² de espacio. Desde 1508 hasta el otoño de 1512 Miguel Ángel trabajó solo en su realización, sin ayudantes. El 1 de noviembre de 1512 se celebró la primera misa en la capilla, después de acabada la pintura de la bóveda.

Madonna de Manchester

La Madonna de Manchester es una pintura sobre madera realizada hacia el año 1497 por el artista del renacimiento italiano Miguel Ángel y que se encuentra en la National Gallery de Londres.

Están representados en la escena pictórica la Virgen con el Niño junto con san Juan Bautista también niño y dos ángeles a cada lado, una pareja de ángeles se encuentran solo esbozados ya que la pintura quedó inacabada.

Toma su nombre por la ciudad de Mánchester donde fue expuesta por primera vez. Atribuida a Miguel Ángel y datada al principio de su actividad pictórica, los dos niños parecen mostrar la derivación posterior de los putti de la bóveda de la Capilla Sixtina y las figuras de la Virgen y la del Niño Jesús se parecen a las efectuadas por Miguel Ángel en mármol, en la también posterior Madonna de Brujas. El roto del vestido de María que deja al descubierto un seno, se atribuye al antiguo tema de la «Virgen de la leche».

 

RAFAEL ZANCIO

La escuela de Atenas:

Se pueden identificar otros personajes situados en distintas posiciones y puestos sobre dos niveles separados de una escalinata. Se destaca a un dios de la mitología que se encuentra en primer plano, un poco a la izquierda. Esta situada frente a la disputa del sacramento. Representa la filosofía, atreves de una escena en la que se narra una sesión entre los filósofos clásicos. En unos nichos se observan unas figuras gigantescas de los dioses Apolo y Minerva. En el centro de la composición se encuentra Platón y Aristóteles, que debaten sobre la búsqueda de la verdad, Platón indica al cielo mientras que Aristóteles señala la tierra.

La expulsión de Heliodoro del templo:

En esta pintura narra la historia de la caída de Heliodoro del templo de Jerusalén, donde unos jóvenes jinetes que visten una armadura de oro, lo golpearon y azotaron. En el fresco se puede verse al Sumo sacerdote de Jerusalén solo, rezando. Esta pintura se encuentra en la parte derecha de la sala y es el fresco que da nombre a la cámara. Su representación es de una parábola bíblica  y representa un milagro. Así se pretende simbolizar la protección de Dios sobre la Iglesia amenazada en su patrimonio.

El incendio del Borgo

En el primer plano se ve a dos hombres que se trataría de Eneas con su padre Anquises. De este modo, se dice, que Rafael compara el acontecimiento de la huida de Eneas de Troya, dotando, así al dibujo, de movimientos. Es el fresco mas conocido de la tercera sala y es el que da su nombre. Representa al milagro que sucedió después de suscitarse un incendio en la ciudad y el papa lo sofoco haciendo la señal de la cruz desde una ventana del Vaticano, ejemplificando el poder divino obtenido atreves del pontífice.

TIZIANO

Amor sacro y amor profano

Amor sacro y amor profano (Amor sacro e amor profano, en italiano) también llamado Venus y la doncella, es un lienzo al óleo de Tiziano. Representa una escena con una doncella vestida lujosamente (probablemente de novia) sentada junto a Cupido y siendo asistida por la diosa Venus. Varios detalles sugieren que la mujer es posiblemente una novia: su pelo suelto decorado con una corona de mirto (planta sagrada de Venus), el velo transparente sobre sus hombros, las rosas en su mano derecha, y el cinturón (símbolo de la castidad).2 La figura vestida sujeta en sus manos una vasija llena de oro y gemas, que simboliza la efímera felicidad de la Tierra y la diosa, desnuda, sostiene una lamparilla con la llama ardiendo de Dios que simboliza la felicidad eterna del Cielo. Es una escena alegórica influida por la concepción neoplatónica renacentista, típica de Marsilio Ficino, según la cual la belleza terrenal es un reflejo de la belleza celestial y su contemplación es un preludio de su consecución ultraterrena.

Isabel de portugal

La figura viste un riquísimo vestido rojo y dorado, con adornos de brocado y pedrería. Se adorna, además, con llamativas joyas, como un collar de perlas con un broche al pecho con piedras preciosas del que cuelga otra perla en forma de lágrima, una sortija en la mano derecha, o un joyel rematando su tocado, un rígido peinado muy de moda en la época compuesto por trenzas. La emperatriz sostiene un libro abierto en su mano izquierda, quizá un misal o libro de oraciones, y mira a un punto lejano con expresión ensimismada. La retratada es Isabel de Portugal, esposa de Carlos I de España e hija del rey Manuel I de Portugal. El retrato sigue un esquema clásico ya utilizado por Rafael o Leonardo da Vinci, en el que la modelo se sitúa sentada, abriéndose junto a ella un ventanal en el que se adivina un paisaje.

Pala  pesaro

 El uso del color en esta obra nos muestra claramente la teoría del color y de perspectiva; al frente, colores oscuros, mucho detalle y personajes principales. Al fondo, colores más claros y figuras sin tanto detalle. El uso de luz y sombra (claroscuro), también da una sensación de profundidad. Ayuda a esta sensación el uso del sombreado en los adornos de las columnas, así como la brillantez resaltante de algunas telas y del estandarte. En la bandera, la insignia de los Pesaro y de la familia Borgia. Se consigue un gran realismo. Pala Pesaro es un cuadro del pintor renacentista italiano Tiziano. Fue realizada entre 1519 y 1526. Se trata de un óleo sobre madera de gran tamaño, pues alcanza los 4,78 metros de alto y 2,68 m. de ancho. Se encuentra en la Basílica de Santa María Gloriosa dei Frari, de Venecia, Italia.

TINTORETTO

La Última Cena

La Última Cena de Leonardo demuestra de qué forma evolucionó el arte desde el Renacimiento los discípulos se sitúan alrededor de Jesús con una simetría casi matemática en las manos de Tintoretto la misma escena aparece dramáticamente distorsionada esta fue utilizando una muy original perspectiva oblicua. Este es un tema que el artista había trabajado en otras ocasiones y es clásico en la pintura religiosa católica estos fueron realizados para la iglesia y monasterio de San Giorgio Maggiore, en una pequeña isla de Venecia en las cuales se encuentra en un muro del presbiterio.

Cualquier persona que quisiera comparar esta obra con Las figuras humanas parecen abrumadas por la aparición de seres fantásticos y la escena tiene lugar en una taberna sombría y popular en donde las aureolas de los santos aportan una luz extraña que subraya detalles incongruente

El Lavatorio

En el fondo del cuadro en el lado izquierdo se ven las arquitecturas clásicas de una ciudad que recuerda a Venecia con una barquichuela entre canales en azules y blancos bañados por una luz fría por lo que da un aire un tanto irreal los elementos arquitectónicos están inspirados en ilustraciones de Sebastiano Serlio.

 Este cuadro del pintor italiano Tintoretto es considerado una de sus obras más importantes, está pintura fue realizada con la técnica de óleo sobre lienzo. Mide 210 cm de alto y 533 cm de ancho fue pintado en 1548-1549 encontrándose actualmente expuesto en el Museo del Prado de Madrid España.  La mayor parte del lienzo está ocupado por la estancia donde se desarrolla la última cena con la mesa y los discípulos en torno a ella ya que en el centro destaca un perro y detrás los apóstoles descalzándose o en diversas posturas y escorzos.

Venus, Vulcano y Marte

Un estudio previo a este cuadro se guarda en el gabinete de calcografías de Berlín si bien faltan las figuras de Marte y del amorcillo.

 Este es un cuadro del pintor italiano Tintoretto también esta realizado en óleo sobre lienzo mide 135 cm de alto y 198 cm de ancho fue mas o menos pintado hacia 1555 y actualmente se comserva en la Alte Pinakothek de Múnich.

Este trata de los amores entre los dioses de la mitología griega Venus y Marte habían sido objeto de tratamiento ya por autores renacentistas como Botticelli en su Venus y Marte por lo que allí era el idealismo neoplatónico . En esta clase de cuadro contiene una gran asimetría por lo que el pintor lleva la mirada hacia el fondo, a la derecha a través de la perspectiva de las baldosas y la figura de Vulcano se refleja en el espejo del fondo, su vigoroso moldeado demuestra la influencia de Miguel Ángel.

ESCULTURA

DONATELIO

Pequeño profeta

El pequeño profeta es una obra atribuida a donatello, y que data de 1407. es de mármol blanco y mide 128 cm de altura.

en la puerta de la mandorla de santa maría del fiore, está emparejado con otro pequeño profeta atribuido principalmente a nanni di banco. no está claro si estas dos obras son los citados en los documentos de pago de la catedral a nombre de donatello, con fecha de 1406 y 1408, en recompensa del trabajo en dos estatuas de profetas. al margen de las diferencias estilísticas entre las dos figuras que pueden ser debidas a la inexperiencia por la juventud del artista y por otro lado su semejanza con obras similares de nanni di banco. hoy en día, el profeta de la izquierda se atribuye generalmente a donatello, sobre la base de comparaciones con otras obras de esta misma época como del david de mármol del bargello. no tiene los atributos de un profeta, pero su pose recuerda a uno de los ángeles anunciando.

David

David de mármol de donatello es una escultura de la etapa de juventud de este gran artista. data de 1408-1409, es de mármol blanco y mide 191 de altura, con una base de 57,5 x32 cm. se conserva en el museo nazionale del bargello en florencia.

el trabajo es uno de los primeros atribuibles con certeza a donatello, que en ese momento, tenía poco más de treinta años, a menudo trabajó para la opera del duomo de florencia. el encargo era para la galería del coro, una estructura octogonal, en torno al altar central, que ahora ya no existe, fue desmantelado en el siglo xix.

San juan evanguelista

San Juan evangelista es una escultura de mármol de donatello esculpida paran la antigua fachada del duomo de florencia y en la actualidad se conserva en el museo dell'opera del duomoy fue el modelo más directo para el moisés de miguel ángel. La cabeza, con barba y con un espeso pelo rizado, girada hacia la derecha tiene una mirada fija e intensa, creando una sensación de energía, que mantiene en sus mejores obras donatello, como la del san marcos y san jorge, talladas en esos años, la catedral encargó la estatua del evangelista sedente a donatello. la serie adornaba cuatro hornacinas dispuestas en los lados del portal central de la destruida fachada. a donatello se le ofreció una capilla en la catedral para esculpir su evangelista. en julio de 1410, cerró la capilla sin haber terminado el trabajo, el artista se dedicó a completar el trabajo, completándolo en octubre de ese año, por lo que recibió un pago de 160 florines.

ANDREA VERROCCHIO

Bautismo de cristo

Se le atribuyen a Leonardo todas las partes ejecutadas al óleo. Es obra suya indiscutible el ángel que está de perfil, abajo a la izquierda, arrodillado y recogiendo sus ropas. Se evidencia la delicadeza de la mano de Leonardo, que ejecutó el rostro del ángel de modo muy maduroFue pintado hacia 1475-1478, encontrándose actualmente en la Galería de los Uffizi, Florencia (Italia). Se considera que este es el primer trabajo importante de Leonardo da Vinci como aprendiz. Hizo la pintura junto con su maestro Verrocchio. Para esta pintura, Verrocchio contó con la colaboración de Botticelli y de un Leonardo adolescente. También realizó algunos rizos del otro ángel, el paisaje del fondo y retocó la faz de Cristo. En la concepción del paisaje del Bautismo de Cristo se hace patente la observación de la naturaleza por parte de Leonardo. Algunos autores consideran que el pájaro también es obra suya.

Condoterio

Verrocchio se propuso realzar el dinamismo del representado; la cabeza del caballo .Esta escultura se asemeja bastante a una escultura realizada por Donatello. Sus dos obras más famosas fueron el David y la estatua ecuestre del condottiero Gattamelata. Andrea del Verrocchio intentó emular a su maestro haciendo una reinterpretación de ambas obras. En 1479 fue llamado a Venecia para realizar el monumento ecuestre de Colleoni. Tras su muerte Alessandro Leopardo fue el encargado de fundir el caballo y de dar los últimos retoques a la obra.

LUCA DELLA ROBBIA

Tondos de la Capilla Pazzi

El tondos de la Capilla Pazzi se trata de doce medallones que decoraron la capilla de pazzi y cada uno de ellos representa a los doce apóstoles. Las pechinas también fueron decoradas con la representación de los cuatro evangelistas, así como la cúpula del pórtico. La cúpula del norte muestra una decoración a base de tondos florales formando círculos que rodean el sello de la familia Pazzi. Existe un tondo de Santiago el Mayor con los atributos propios de santo.

Cantoría de la Catedral de Florencia

Las molduras superiores muestran niños y niñas tocando algunos instrumentos musicales como, la trompeta. Algunos relieves muestran a niños y niñas cantando y tocando el tambor, se podría decir que supuso una representación bíblica. Obra que se sitúa sobre la puerta de la sacristía norte de la catedral. Aquí se representa en imágenes de la biblia, aparece escrito en letras romanas. Las figuras en alto, medio y bajo relieve representan niños y niñas cantando y bailando junto con amocillos.  El cuerpo superior sobresale en ménsulas con decoración vegetal que a su vez sirven de separación de otras cuatro molduras situadas en un plano mas profundo.

Puerta de la Sacristía Norte

Esta composición es totalmente renacentista, ya que se muestra el eje central de la figura del Cristo y el tratamiento que se da a las figuras. En la puerta de bronce, nueve de diez son obras de della Robia, y uno representa a San Gregorio Magno. En los paneles se representa figuras como la virgen, el niño, los cuatro evangelistas, los cinco santos. Las figuras son de medio relieve, realizadas en color blanco y se encuentran sobre un fondo azul, lo cual hace resaltar la figura y su importancia

GIOVANNI BELLINI

Sacra Conversación

También conocida como Retablo de San Giobbe, esta es una de las obras más conocidas del pintor renacentista italiano Giovanni Bellini esta se conserva en la Galería de la Academia de Venecia en Italia que está realizado al temple sobre tabla donde fue pintado hacia 1487-1488.

Es una obra de gran tamaño: mide 468 cm de alto y 255 cm de ancho todas sus figuras tienen un tamaño casi natural donde se realizó para la iglesia parroquial de San Giobbe donde estaba enmarcada en mármol esta se trata de una composición triangular con gran luminosidad y colorido.

Esta tiene como tema la "sagrada conversación" donde se trata sobre una reunión de santos en torno a la Virgen en majestad con el Niño en los brazos y rodeada de santos. A la derecha se distingue un san Sebastián y a los pies de María, delante del trono hay unos ángeles músicos.

El marco arquitectónico en el que se desarrolla es una bóveda de cañón con artesonado Al fondo hay un ábside circular.

Aquí la luz que baña el cuadro arranca reflejos dorados de los mosaicos dejando otras zonas en penumbra aunque aqui se nota la influencia de Antonello da Messina pero lo cierto es que esta típica luz de Bellini envuelve los volúmenes y humaniza la escena representada.

Alegoría cristiana

Es conocida como La alegoría sagrada que es una de las obras del periodo de madurez del pintor renacentista italiano Giovanni Bellini que se conserva en la Galería de los Uffizi en Florencia está realizado al temple sobre tabla fue pintado mas o menos en 1490 esta obra mide 73 cm de alto y 119 cm de ancho.

Esta obra tiene un colorido paisaje al fondo que se muestran diversas figuras de santos cuyo nexo de unión o sentido general de la obra no está muy claro que está considerada de difícil interpretación en la cual la terraza tiene elaboradas baldosas de mármol la profundidad del paisaje se logra no tanto por la perspectiva sino por el cromatismo.

Aquí tenemos a la derecha de todo con una flecha clavada y junto a él un san Jerónimo o quizá una representación del santo Job estas dos figuras no presentan el mismo modelado que el resto en el otro lado de la balaustrada a san Pablo que se encuentra con un gran manto rojo y una espada en la mano. En la parte de la izquierda María en un trono en el extremo de este lado existe una figura con turbante que parece un añadido posterior.

El dux Leonardo Loredan

Este es uno de los cuadros destacados del pintor que se conservan en la National Gallery de Londres en Reino Unido donde se exhibe con el título de The Doge Leonardo Loredan este está realizado al óleo y temple sobre tabla de álamo lo cual mide 62 cm de alto y 45 cm de ancho este fue pintado entre 1501 y 1504.

Este retrato género que en Venecia se desarrolló más tarde que en la pintura toscana o flamenca, esta obra "es el momento culminante de la evolución del retrato veneciano en el umbral del Alto Renacimiento". El retratado es el Dux de Venecia Leonardo Loredan (1436-1521), que desempeñó el cargo de 1501 al 1521 año de su muerte.

Esta se trata de un retrato oficial por lo que usa el traje de ceremonia propio del cargo: el sombrero y los botones ornamentados este pintor retrata con detalle la tela que son de seda tejida con hilo de oro, es un busto al modo de las estatuas romanas.

Hay un gran equilibrio entre el detalle de joyas y tela y la representación fisonómica la cara es realista y expresiva de una gran serenidad está un poco girada y el efecto que consigue mediante las cintas que cuelgan de su tocado.

Esa expresión de una observación distanciada junto a la ausencia de un fondo concreto en el que ambientarse hace que el cuadro recuerda a un icono.